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En una decisión que calificaría sin precedentes, pero siempre jugando con esa ventaja que da la constante “incertidumbre” de las parrillas españolas, Antena 3 ha hecho de la pasada noche del miércoles una noche centrada en el narcotráfico gallego con el preestreno de ‘Fariña‘, su nueva serie que adapta el libro de Nacho Carretero.

Claro, es una noche especial porque de no haber sido por el secuestro que sufrió el libro editado por Ediciones KO seguramente hasta dentro de unos meses no hubiéramos ni olido ni una sola promo de la serie. Pero la actualidad manda y ante el interés desmedido suscitado hemos podido ver, con su cuarto de hora de retraso desde la hora programada, el primer episodio de ‘Fariña’.

De lo poco que pudimos ver y saber en los últimos meses de la serie, se intuía que iba a tener una factura impecable. No en vano la serie venía de la mano de Bambú Producciones con Cristóbal Garrido y Diego Sotelo encargándose del guion, Sotelo como coordinador y la dirección de Carlos Sedes.

‘Fariña’ comienza con una escena sencillamente trepidante centrada en la mega redada de la Operación Nécora dirigida por Baltasar Garzón (Miquel Fernández) en 1990. Allí conocemos a algunos de los principales jugadores del narcotráfico gallego: Terito (Manuel Lourenzo), Charlín (Antonio Durán Morris) y Laureano Oubiña (Carlos Blanco).

Retrocedemos a 1981, donde veremos a Sito Miñanco (Javier Rey), un joven que ayuda a su padre en la pesca ilegal. Tras hacer perder dinero a Terito, por esa época cabeza de la cooperativa de contrabandistas, pasará a ser secuaz de este como piloto de las planeadoras. Al poco querrá comenzar junto a Roque (Tamar Novas) y Oli (Fran Lareu), su propia aventura como contrabandista.

Farina Terito Minanco

Al igual que en el libro, ‘Fariña’ nos sumerge por completo en las Rías Baixas gallegas de los años 80. Ya no la ambientación soberbiamente planificada, sino tanto la música y el hecho de que todo sean gallegos (aunque el acento a veces se nota bastante forzado) hace que nos sintamos uno más de Arousa.

Esto se une a un guion cargado de tensión y muy equilibrado, que va contando de manera muy fluida toda esta radiografía del narco: las relaciones entre los diferentes capos gallegos, las estructuras de poder, el cómo se trabajaba… todo queda muy claro primando la narración a la exposición (excepto, claro, en la introducción “documental” de ‘Faríña’).

Farina Sito

Quizá si hay algo que se le pueda acusar es que va demasiado rápido. Dejándonos la sensación de que querían entrar lo antes posible en el tema del narcotráfico pero sin dejar de establecer la época del tabaco y antes de que uno se acostumbre al transporte de cajetillas, estamos ya con las primeras negociaciones con el cartel de Medellín.

Esto se logra a base de no caer en el clásico relleno que nos podemos encontrar en la serie media española. Garrido y Sotelo se despojan de la plantilla de Bambú y deciden ir a por todas con su argumento sacrificando algo, por lo menos en este primer episodio, el desarrollo de sus personajes.

Farina Cooperativa

Que no es que se olviden de ellos, es que, por lo menos en el caso de los Charlines y Terito da la sensación de que ahí hay mucho más de donde rascar de lo que se deja ver. Afortunadamente estamos ante una serie y espero que esto se subsane en los siguientes episodios.

Hablando de actores, el trabajo de los responsables de casting es excelente. A nivel interpretativo no hay casi ninguna pega. Es más, podríamos estar hablando del mejor plantel que existe actualmente (y en mucho tiempo) en la televisión española.

Farina2

Por lo general este primer episodio de ‘Fariña’ roza la excelencia. Buen guion, una dirección a la altura de una gran producción y, sobre todo, un tratamiento apasionante de un tema importante como fue (y es) el entramado de la droga en Galicia.

No sabemos cuándo llegarán el resto de episodios de ‘Fariña’, pero su estreno ha dejado el listón muy alto. Tanto que podríamos estar hablando de una de las mejores series españolas de 2018 (y quizá a nivel internacional, quién sabe).

 

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Descargar Clive Owen nos sumerge en la nueva e interesante distopía de Andrew Niccol (‘Gattaca’) Película gratis

“El anonimato es el enemigo.”

Acabamos de hablar de ‘Gemini Man’, un thriller de ciencia-ficción coescrito por Andrew Niccol donde actúa Clive Owen. Casualmente, seguimos en el mismo género, con el mismo actor y el mismo cineasta, para echar un vistazo al interesante tráiler de ‘Anon’, con cierto aire a videojuego. En los cines de Reino Unido y Grecia se estrena en mayo; en Estados Unidos podrán verla en Netflix y en España… a saber.

La historia de ‘Anon’ está ambientada en un futuro cercano donde no hay privacidad o anonimato (los trolls empiezan a sudar). Donde incluso los recuerdos son grabados en un esfuerzo por acabar con el crimen. Owen interpreta a un policía que, mientras investiga una serie de asesinatos sin resolver, conoce a una hacker llamada “The Girl”, una misteriosa mujer sin identidad ni pasado, sin rastro de recuerdos grabados. Por supuesto, este encuentro lo cambia todo para el protagonista…

Amanda Seyfried encarna a “la chica” y el reparto se completa con Colm Feore, Sonya Walger, Mark O’Brien, Joe Pingue, Iddo Goldberg y Sebastian Pigott, entre otros. Si la sinopsis de ‘Gemini Man’ recordaba al conflicto de ‘Looper’, ‘Anon’ podría ser perfectamente un episodio extendido de ‘Black Mirror’, la antología creada por Charlie Brooker que está agotando casi todas las ideas y tramas más o menos originales que quedan (¿quedaban?) en el género fantástico.

Vaya por delante que espero encontrar un gran film, soy un enamorado del género fantástico. Sin embargo, me llama mucho la atención como hay directores a los que se les acaba el crédito por hacer un par de películas torpes, o malas, mientras que otros como Andrew Niccol parecen gozar de la eterna simpatía de la industria y el público, sin importar las decepciones o los tropiezos. Sí, es el director de ‘Gattaca’ pero también de la fallida ‘S1m0ne’ y dos completos bodrios como ‘In Time’ o ‘La huésped’ (‘The Host’).

Recientemente volvió a colaborar con Ethan Hawke en ‘Good Kill’, otro thriller que si no lo ves no pasa nada, donde Niccol hace eso tan molesto que es subrayar el mensaje y lo que el público debe pensar, que no se corresponde con su alucinante prestigio. Y pensar que bastaron un par de títulos para hundir a M. Night Shyamalan, o cómo ahora es el momento de machacar a Duncan Jones por no estar a la altura de las elevadas expectativas con sus últimos dos trabajos…

 

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Descargar Ang Lee dirige a Will Smith en un thriller de ciencia-ficción con premisa similar a ‘Looper’ Película gratis

Con esta peculiar fotografía y un breve vídeo publicado en Instragram por Will Smith, nos enteramos que ya ha arrancado el rodaje de ‘Gemini Man’, la nueva película de Ang Lee. De momento, el actor se ha limitado a bromear con la cantidad de insectos que hay en Luisiana, donde van a filmar al menos en estos primeros días.

En principio, la historia de ‘Gemini Man’ recuerda un poco a ‘Looper’: se centra en un asesino de élite (interpretado por Smith) perseguido por otro joven pistolero que, extrañamente, es capaz de adivinar todos sus movimientos, como si pudiera predecirlos. Y en cierto modo así es porque su enemigo es un clon de él mismo, tres décadas más joven

A diferencia de ‘Looper’, en este proyecto contaban con la posibilidad de contratar a Jaden Smith para dar vida a la versión más joven de su padre, pero quizá han querido evitar que el público se acuerde de ‘After Earth’ y han optado por otra solución. Supongo que entonces Will Smith hará un doble papel y será rejuvenecido digitalmente para crear este peculiar duelo (algo como lo que hizo Marvel con Michael Douglas, Robert Downey Jr. o Kurt Russell).

Mary Elizabeth Winstead, Clive Owen y Benedict Wong acompañan a Smith en el reparto. Aunque ya se está rodando, ‘Gemini Man’ se estrenará el 4 de octubre de 2019.

Recordemos que Ang Lee ganó dos Óscar por la dirección de ‘Brokeback Mountain’ y ‘La vida de Pi’ además de triunfar en los mismos premios con ‘Tigre y dragrón’, coronada como la mejor película de habla no inglesa en la edición de 2001. Su último trabajo, sin embargo, fue un absoluto fracaso: ‘Billy Lynn’ (‘Billy Lynn’s Long Halftime Walk’) se vendió como una revolución en el séptimo arte pero finalmente pasó sin pena ni gloria por las salas de cine, y las malas críticas tampoco ayudaron. Espero que con ‘Gemini Man’ vuelva a la senda del éxito.

 

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Descargar La gente apuesta más por ‘El bebé jefazo’ que por ‘Dunkerque’ de cara a los Óscar Película gratis

Los Oscar 2018 están, como quien dice, a la vuelta de la esquina, y puede que el gran fin de fiesta de esta temporada de premios sea el más previsible de los últimos años. La culpa la tiene la falta de sorpresa en cuanto a resultados se refiere de las últimas grandes citas como los BAFTA, los Globos de Oro o los Critic’s Choice, donde la mayoría de intérpretes, largometrajes y directores han reafirmado sus indiscutibles éxitos ceremonia tras ceremonia.

Esto se ha visto reflejado en las cuotas que las casas de apuestas están atribuyendo a cada nominado, encontrando en ocasiones verdaderos abismos entre los principales candidatos a levantar la estatuilla el próximo día 4 de marzo y sus competidores directos. Es por esto que, para todos los valientes que se animen a jugarse unos cuantos euros, hemos decidido recopilar información sobre las principales categorías de los Oscars 2018 para que sepáis cómo están los pronósticos y en qué medida podríais beneficiaros en caso de una —improbable— sorpresa.

Mejor película

Tres Anuncios En Las Afueras

Tanto los analistas de GoldDerby como las casas de apuestas online que hemos consultado coinciden a la hora de situar ‘Tres anuncios en las afueras’ como la principal candidata para alzarse con la estatuilla. La probabilidad de 13/10 que indican los primeros encaja con los 1.83€ por cada euro apostado que reportaría en Betfair y los 1.81€ de 888sport, los 1.80€ de William Hill o los 1.72€ de Bet365.

Pisando los talones al filme de Martin McDonagh se encuentra ‘La forma del agua’, con unas probabilidades de 20/10 según GoldDerby. Apostar un euro por la película de Guillermo del Toro nos haría ganar 2.75€ en 888sport, 2.62€ en William Hill o 2.50€ en Betfair y Bet365.

La diferencia entre ambas nominadas con la tercera candidata es más notable, situándose ‘Lady Bird’ como la siguiente opción con unas cuotas que oscilan entre los 13 y los 10 euros. Parece que, por mucho que haya obtenido una puntuación perfecta en Rotten Tomatoes, el debut en la dirección de Greta Gerwig no inspira la suficiente confianza a los apostantes. Del mismo modo, otro de los filmes más celebrados del año, ‘Dunkerque’, pierde el apoyo popular, pagándose su triunfo con cifras que rondan los 36 euros.

Aunque, si sois de los que suelen pensar aquello de “aquí hemos venido a jugar”, siempre podéis optar por ‘El instante más oscuro’, cuya victoria se premia con 201€ por euro apostado en Betfair y Bet365. No cabe duda de que se estila más utilizar frases falsas de Winston Churchill en conversaciones que dar un voto de confianza al largometraje de Joe Wright.

Mejor director

Guillermo Del Toro

En el caso del Oscar a mejor director no hay lugar a dudas: Guillermo del Toro ha esquivado todas las acusaciones de plagio vertidas sobre ‘La forma del agua’ y tiene todas las de ganar, pronosticando GoldDerby su victoria con una probabilidad de 1/10 y oscilando las cuotas en casas de apuestas entre los 1.07€ de Betfair y los 1.10€ de 888Sport. Siguiendo al mexicano, estaría Christopher Nolan, cuya victoria daría a los apostantes entre 7 y 8 euros por euro apostado.

Si sois lo suficientemente valientes y confiáis en que Jordan Peele pueda hacerse con el galardón por su trabajo en ‘Déjame salir’, con tan sólo un euro podríais llegar a embolsaros 51 en William Hill y Bet Stars.

Mejor actor

Gary Oldman

La categoría de mejor actor está aún más cantada si cabe. Según los pronósticos, Gary Oldman saldría a recoger el Oscar por su interpretación en ‘El instante más oscuro’ con unas probabilidades de 2/13, y con unas irrisorias cuotas que van de los 1.02€ a los 1.04€.

En segunda posición, con una cuota de 17€ en Bet365 se sitúa Daniel Kaluuya, seguido de Daniel Day-Lewis, con cuotas entre los 26€ y los 21€, y de Thimotee Chalamet, cuyas cuotas van de los 29€ a los 17€. En último lugar, la victoria de Denzel Washington —el peor situado de los cinco contendientes, con unos pronósticos en GoldDerby de 100/1—, se paga en este momento con una cuota de 81€ por euro apostado.

Mejor actriz

Frances Mcdormand

De nuevo, parece que no hay lugar alguno para la sorpresa en cuanto al Oscar a mejor actriz se refiere. Con un pronóstico de 2/13 según GoldDerby, Frances McDormand se llevaría el gato al agua, oscilando la cuota en casas de apuestas entre los 1.08€ de William Hill y los 1.04€ de Bet365.

Siguiendo a la protagonista de ‘Tres anuncios en las afueras’ se encuentra Saoirse Ronan, cuya improbable victoria — se pronostica con un 18/1— se paga con cuotas que varían entre los 13€ de Bet365 y 888sport, y los 10€ de William Hill. Cerrando la lista, Meryl Streep reportaría unas ganancias de 76€ por cada euro invertido a los que apostasen por su victoria en Bet Stars.

Mejor actor/actriz de reparto

Sam Rockwell

Más de lo mismo sucede en las categorías que premian a los mejores actores y actrices de reparto de la temporada, coronando el apartado masculino un Sam Rockwell con todas las de ganar, unas probabilidades de 2/11 y unas cuotas en casas de apuestas que rondan los 1.1€. Willem Dafoe se situaría como el segundo candidato con más opciones de alzarse con el Oscar, con un pronóstico de 10/1 y unas cuotas de en torno a los 6€ por euro invertido.

En cuanto al sector femenino, Allison Janney tendría el triunfo asegurado por su fantástica labor en ‘Yo, Tonya’, con una probabilidad de ganar la estatuilla a mejor actriz secundaria de 2/7 y unas cuotas de 1.12€. La sigue a cierta distancia **Laurie Metcalf, cuya victoria se premia con cantidades que colindan los 5€* en la mayoría de casas de apuestas.

Mejor película de animación

Coco

En lo que respecta a la categoría de mejor película de animación, tampoco hay debate que valga. Tanto casas de apuestas como GoldDerby dan como rotunda ganadora a la ‘Coco’ del estudio de animación Pixar con un pronóstico de 1/10 y unas cuotas irrisorias que rondan los 1.04€. A un abismo de distancia la sigue ‘El pan de la guerra’, cuyo triunfo se paga con 13€ en Betfair. Más lejos se sitúa ‘El bebé jefazo’, cuya victoria se paga con 26€ por cada euro invertido, quedando en última posición ‘Ferdinand’, con una cuota de 51€ en la misma casa.

Mejor guión/guión adaptado

Call Me By Your Name

Mucho ojo con los Oscars que premian a los mejores libretos de la temporada, porque mientras el galardón a mejor guión adaptado parece estar destinado a ir, sin duda, a ‘Call Me by Your Name’ —con cuotas que rondan el euro en caso de victoria—, parece que hay esperanza para tener un poco de emoción en cuanto a los guiones originales.

Aunque ‘Déjame salir’ sea la gran favorita para los analistas de GoldDerby —con un pronóstico de 11/10—, los libretos de ‘Tres anuncios en las afueras’ y ‘Lady Bird’ siguen muy de cerca el trabajo de Jordan Peele con unas probabilidades de victoria de 8/5 y 17/2 respectivamente. Las casas de apuestas coinciden, con unas cuotas de 2.25€ para el filme de terror —por mucho que haya sido catalogado como comedia—, 2.5€ para la cinta de Martin McDonagh, y 4€ para el filme de Greta Gerwig —todas ellas en Betfair—.

 

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Descargar Nuevo enemigo, nueva misión. Tráiler y cartel de la T2 de 'Timeless' Película gratis

‘Timeless’ es una serie de aventuras y ciencia ficción que sigue las misiones de Lucy, Wyatt y Rufus, un equipo de expertos reclutados por el gobierno para viajar al pasado en una máquina del tiempo y evitar que un grupo de criminales cambien el curso de la historia de EE UU.

En los nuevos episodios Lucy, Wyatt y Rufus se encontrarán con un inesperado aliado en su misión para acabar con Rittenhouse, la organización secreta que pretende cambiar la historia y transformar la realidad presente. Todo ello a pesar de que la familia de Lucy ha estado vinculada a Rittenhouse durante siglos… El equipo se seguirá esforzando por no alterar el pasado en sus viajes.

En esta temporada visitarán 1692, 1917, 1941 o 1981 entre otras fechas y conocerán a personajes como la científica Marie Curie, primera mujer en recibir el Premio Nobel de física; la actriz e inventora Hedy Lamarr, que revolucionó la tecnología militar con su patente de un sistema de comunicación secreta para misiles, o William Randolph Hearst, el periodista y magnate que inspiró la oscarizada película de Orson Welles, ‘Ciudadano Kane’.

‘Timeless’ da una vuelta de tuerca a los viajes en el tiempo, riéndose de los clichés del género y jugando entre pasado y presente. Una serie sobre viajes en el tiempo desarrollada por un equipo creativo de altura: Eric Kripke, especialista en series de acción y aventuras y creador de ‘Sobrenatural’ y ‘Revolution’, y Shawn Ryan, el creador de ‘The Shield’, ganadora de dos Globos de Oro y un Emmy y considerada como una serie de culto.

Protagonizada por Abigail Spencer (Rectify) en el papel de Lucy, la profesora de historia; Matt Lanter (CSI: Cyber) como Wyatt, un exmarine marcado por la muerte de su mujer; v (SouthLAnd) como Rufus, el tímido científico de color que les acompaña; Goran Visnjic (ER: Urgencias) como el teórico villano de la historia, García Flynn; Sakina Jaffrey (Mr. Robot) como la agente Christopher del gobierno; Paterson Joseph (The Leftovers), encarnando a Connor Mason; y Claudia Doumit (New Girl), que da vida a Jiya.

Movistar Series Xtra (dial 12) estrena el próximo 12 de marzo la segunda temporada de ‘Timeless’, un día después de su estreno en EE.UU. Disponible bajo demanda cada semana, según emisión lineal. Una vez emitidos todos los episodios pasará a estar completa bajo demanda.

‘Timeless’ es una producción de Sony Pictures Television, Davis Entertainment, MiddKid Productions y Kripke Enterprises.

 

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Descargar ‘Hroes en el infierno’ – El buen Hollywood Película gratis

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En noviembre me refer a ‘Asesinato en el Orient Express’ como una digna produccin hollywoodiense. “El gran y lujoso Hollywood” se lea en su correspondiente titular. Una produccin con muy buena apariencia, muchas caras conocidas y una narrativa correcta que sin embargo careca de alma. Ese gran y lujoso Hollywood, poderoso y adinerado caballero capaz de algo tan bonito, intachable y entretenido como a la vez poco nutritivo.

Ahora me referir a estos ‘Hroes en el infierno’ como “El buen Hollywood”, ese que adems de una buena apariencia, muchas caras conocidas y una narrativa ms que correcta, tambin posee una pizca de emocin. Un “basado en una historia real” que logra que la emotividad intrnseca a esa misma historia real no desfallezca o desaparezca bajo la fachada de una gran produccin cinematogrfica que al contrario, le rinde honores.

El cine de Hollywood, tan a menudo asociado a lo peor cuando a la vez es capaz de lo mejor. Tambin, capaz de pelculas como estos ‘Hroes en el infierno’, que tanto valen para un roto como para un descosido. Que tanto nos pueden valer como a la vez tan poco nos pueden suponer. Tan fcil de apreciar, y a su vez de despreciar por la misma puetera razn: Por como dira el Ed Harris de ‘Poder absoluto’, hacer su puto trabajo.

Eso es lo mejor, y a la vez lo peor de ‘Hroes en el infierno’, que ni son hroes ni caen en el infierno. Cumplen en todos sus frentes, y con una enorme dignidad en cualquiera de ellos, pero la sensacin, ya sea desde dentro pero sobre todo desde fuera, es que “slo” estn cumpliendo con su cometido. Que “slo” estn haciendo su trabajo. O cuando el buen trabajo, simplemente bien hecho no destaca y parece irrelevante, o peor, insignificante.

Como perfectamente se pueden sentir los bomberos que se dedican a lo que se dedican los protagonistas de ‘Hroes en el infierno’. Su trabajo puede ser poco ms que cavar zanjas, quemar arbustos y cortar un par de rboles. Un trabajo potencialmente importantsimo pero tan discreto que su reconocimiento, por lo general, es igual de discreto… salvo cuando por supuesto la cagan, y alguien que pasaba por ah lo sube a Instagram.

Porque claro, es su puto trabajo y hacerlo bien, simplemente bien, no es nada del otro mundo. Lo que se deca de los policas y militares cuando en los aos 80 eran asesinados por ETA, vaya, que igual alguno an se acuerda.

‘Hroes en el infierno’ es ese trabajo discreto y poco agradecido que no deja de estar bien hecho, tan digno como gratificante de ver y sobre todo, de disfrutar. Puede que no tenga afn de protagonismo, no se adentre en terreno desconocido y cumpla las normas a rajatabla; que no pase nada si se la deja pasar de largo. Pero que en todo momento da la cara, por mi y por mis compaeros, ante aquel que se sienta atrado por su propuesta.

“El buen Hollywood”, ese sumamente profesional que adems de una buena apariencia, muchas caras conocidas y una narrativa ms que correcta, tambin posee una pizca de emocin que te atiza a la mnima en la que le subestimes.

Por Juan Pairet Iglesias

@Wanchopex

 

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Descargar Las diez mejores películas de la Berlinale 2018 y una que recomiendo evitar a pesar del palmarés Película gratis

La sexagésimo octava edición del Festival de Berlín ha estado marcada por la decepción del palmarés y la cuestionable calidad de la programación. En la sala de prensa se respiraba un cansancio especial porque costaba encontraba aquella película única que a todos nos gusta llevarnos en el corazón al cubrir estos eventos, además de una constante sensación de tedio hacia una sección de competición. Cuyo criterio de selección sigue siendo un misterio.

Cinco películas americanas, dos asiáticas y el resto cine europeo mayoritariamente coproducido por Alemania; aquí hay algo que huele un poco raro, ¿no creen? Consuela pensar que 2019 será el último año con Dieter Kosslick al mando de un puesto que arrastra desde principios de los 2000 y que ha llevado al festival a ser un importante reflejo de las realidades de los lugares más inhóspitos del mundo, gracias a su interés por el cine de temática social; sin embargo, esto se agota y el certamen se ha convertido en algo así como un vertedero de lo que desechan Cannes y Venecia.

La Berlinale debería replantearse su voz dentro de los grandes festivales, quizás rebajar en secciones y programación, para encontrar un término medio entre el foco de estrellas que fue en los noventa y esta ambición por el cine más social y vanguardista de la etapa de Kosslick.

‘Touch Me Not’, la ganadora de Berlín es pura provocación: un Oso de Oro decepcionante

Parecía que la Berlinale 2018 no podía caer más bajo de lo que llevaba cayendo desde su primer día con una programación tan poco estimulante, sobre todo en la sección de competición. De forma consciente o no, el festival quiso superarse a sí mismo y el Oso de Oro fue a parar ‘Touch Me Not’ (‘Nu ma atinge-ma’), ópera prima de la rumana Adina Pintilie que había provocado huidas en masa de sus pases de prensa, siendo duramente criticada.

El film camina entre la realidad y la ficción contándonos la historia de una mujer con un trauma sexual que le impide ser tocada por nadie. La terapia a la que se somete en paralelo a la observación de tratamientos a otras personas con disfuncionalidades físicas, serán el eje central de una película donde la propia directora dialoga con sus personajes para justificar la crudeza de ciertas imágenes. Más allá del gusto personal, premiar una obra así es desperdiciar un importante galardón.

Porque la propuesta es tan visceral y extrema que resulta imposible distribuirla de una forma mínimamente comercial. Muchos pensarán que el Oso de Oro es poca cosa al lado de los sumos galardones de Cannes y Venecia, pero en los dos últimos años la película ganadora acabó alzándose con una nominación al Oscar, además de tener un más que decente recorrido en salas de cine. Veamos lo que sucede con una obra y un premio que buscan el titular fácil y los debates a pie de sala, un fenómeno que (en la mayoría de los casos) es efímero.

Diez grandes películas que nos ha dejado la Berlinale 2018

  • ‘Isla de perros’ de Wes Anderson
Wes Anderson

El particular director americano regresa a la animación tras la aclamada ‘Fantástico Sr. Fox’ y a la Berlinale tras ‘El gran hotel Budapest’ (Gran premio del jurado en 2014) con ‘Isla de perros’, una nueva propuesta en Stop Motion que cuenta la historia de un niño que busca desesperadamente a su perro después de que una radical ley los exilie en una isla.

La única, y simétrica, visión del mundo de Anderson vuelve a aparecer en esta excéntrica historia que camina entre la ciencia ficción y la comedia negra para contar una historia de evidente actualidad y con cierto compromiso social.

Más allá del impecable diseño visual que, en palabras del propio Anderson, está influenciado por Miyazaki y Kurosawa, la película cuenta con un excepcional reparto de voces en el que encontramos a los colaboradores habituales de su cine como Bill Murray, Tilda Swinton, Jason Schwartzman, Frances Mcdormand o Edward Norton y voces nuevas que incluyen a Greta Gerwig, Yoko Ono o Scarlett Johansson.

  • ‘Season of the Devil’ de Lav Diaz
Season Of The Devil

El afamado director filipino regresó a la Berlinale tras triunfar dos años atrás con la que él considera su obra magna, ‘A Lullaby to the Sorrowful Mistery’. Aquello era un colosal y bello poema fílmico de ocho horas de duración donde narraba la historia real de algunos héroes de la revolución en paralelo a los mitos fantásticos de su país; esta película le valió el Alfred Bauer y unos meses después levantaría el León de Oro del Festival de Venecia gracias a ‘The Woman Who Left’.

Su regreso ha sido más comedido, su nuevo trabajo sólo dura cuatro horas. Pero no por ello menos intenso porque se trata de un musical interpretado A Capela. Treinta y tres canciones compuestas por el propio director cuentan cómo se vivió la dictadura del general Marcos durante los 70 en una pequeña aldea.

Lav Diaz pone voz a cuatro personas distintas que muestran el habitual sentimiento de tristeza, soledad y desamparo de las películas del cineasta, a través de las canciones. Y, como es propio en su trabajo, les deja dando vueltas sobre sí mismos (algo que ejecuta en el plano final de ‘The Woman Who Left’) unificando y estirando el espacio y el tiempo en dilatadas secuencias, aunque en esta obra sí reduce bastante la duración de ciertos planos para estar en sincronía con el ritmo de su música.

La película tiene una estructura similar a ‘A Lullaby to the Sorrowful Mistery’: varias historias paralelas en el tiempo que en algún momento confluyen y se unifican dándole un sentido de memoria colectiva. En esta ocasión Diaz recurre a una desconcertante elipsis de cuatro años para no entorpecer los tempos, evita alargados planos de gente paseando o en su día a día porque es muy consciente de que está poniendo al slow cinema al servicio de una ópera rock.

  • ‘Madeline’s Madeline’ de Josephine Decker
Madeline

Desde el festival de Sundance aterrizaba en Berlín este drama ambientado en una escuela de arte dramático donde la obsesión de una directora y una actriz por sacar adelante una obra de teatro, llevará a su actriz principal a un estado cercano a la locura.

Es magistral como la directora Josephine Decker aúna dos temas como la salud mental y el arte para hablar del proceso de creación. ‘Madeline’s Madeline’ es una película plenamente psicológica y, por ello, al estar desde el punto de vista de la actriz (majestuosamente interpretada por Helena Howard) juega con bruscos movimientos de cámara y locos saltos de montaje que nos introducen en su mente.

A ratos abstracta y ambigua, ‘Madeline’s Madeline no es la típica película que programa Sundance, no hay clichés ni personajes tipo, es todo fresco y original hasta el extremo y la película acaba siendo un imponente retrato de la depresión y el proceso de creación artística.

  • ‘Utøya 22. Juli’ de Erik Pope
Utoya 22. Juli

Junto a la ganadora, esta película fue la más polémica del festival, abriendo debates que planteaban la ética de lo que se estaba filmando. Cuenta la historia real de los atentados de Oslo del 22 de julio, en concreto la matanza de la isla de Utoya, donde dos hombres perpetraron un tiroteo que duró 72 minutos dejando 77 muertos e incontables heridos.

Lo peculiar de esta cinta es que todo está narrado en un plano secuencia que dura exactamente el mismo tiempo que se extendió la matanza real. Sin usar una historia cien por cien verídica, el director da voz a una chica del campamento y su huida de la muerte; la cámara le sigue por toda la isla mientras escuchamos los disparos, gritos y demás fuera de campo. Pocas veces se muestra a los asesinos ya que el director juega con el miedo real de su protagonista al no conocer el origen de estos disparos.

Los detractores de la cinta hablaban de morbo, sensacionalismo y poco respeto a las víctimas; sin embargo la película puede mirarse también como una reformulación del género de terror. Erik Pope toma un tema de extrema actualidad como es el terrorismo para cocinar una terrorífica película que con un Freddy Krueger o un Jason Voorhees detrás, a nadie hubiese escandalizado. Es comprensible parte de la polémica generada, pero su calidad artística y su proeza cinematográfica es bastante indiscutible.

  • ‘Tinta Bruta’ de Filipe Matzembacher y Mario Reolon
Tinta Bruta

La Berlinale también es conocida por su compromiso con el cine LGTBI. ‘Tinta Bruta’ es la ganadora del premio Teddy que se entrega a la mejor película de temática homosexual. Esta cinta brasileña nos cuenta la relación, algo tóxica, entre dos modelos de webcam erótica, uno de ellos con un oscuro pasado y otro con pretensiones artísticas. Lo que les distingue será el uso de pinturas fluorescentes para decorar su cuerpo.

Lo más bello de esta película es la humanidad con la que están construidos sus personajes, apenas cuatro diálogos y dos primeros planos nos sirven para entender sus miedos y ambiciones. Por otro lado, consigue algo muy importante, humanizar a los actores pornográficos porque, pese a sus escenas explícitas, los directores evitan el morbo o la excitación.

A través de los desnudos y el sexo, se nos muestra el dolor y la realidad de los protagonistas; cuando están frente a la webcam entendemos que es sólo trabajo y cuando tienen sexo entre ellos nos sentimos vouyers y ladrones de esa intimidad de la que viven. ‘Tinta Bruta’ es una película llena de dolor pero de una belleza y potencia audiovisual como pocas.

  • ‘In the Aisles’ de Thomas Stuber
In The Aisles

La que podría haber sido una comedia rancia, colada en la competición sólo por el hecho de ser alemana, resultó ser toda una sorpresa y una de las películas más especiales a concurso. Aunque suene muy paródico In the Aisles plantea un romance nacido entre los trabajadores de un supermercado: un hombre de pasado oscuro (Franz Rogowski) y una mujer que vive un tóxico matrimonio (Sandra Hüller).

No se habrá visto película más triste en todo el festival. ‘In the Aisles’ es una íntima reflexión sobre la soledad, la redención y el paso del tiempo. Sus personajes están literalmente atrapados en los pasillos de ese supermercado y su vida se limita a mover palés de un lado para otro, preciosa metáfora de su estancamiento.

Todo es íntimo y sutil, hay un extraño y oscuro equilibrio en ese espacio que a la vez es muy frágil. Lejos de la costa, atrapados entre descomunales estanterías sueñan con ver el mar: “Por supuesto que se oye el océano, ¿cómo no me había dado cuenta hasta ahora?“, dicen entre falso consuelo y esperanza.

Grass

¿Qué sería de un festival de cine sin una película de Hong Sang-soo? El cineasta coreano no quería faltar a la cita alemana y tras un prolífico 2017 (donde estrenó tres películas) arranca 2018 con el trabajo más minimalista, austero y misterioso de su carrera.

Los 66 minutos de esta película se ambientan en un pequeño café y sus alrededores, la gente se reúne allí y habla de su vida, mientras una indiscreta cliente reproduce sus diálogos en su ordenador no sabemos para qué fin; todo esto acompasado por la exquisita selección musical del propietario del bar.

Sangsoo ha pasado veinte años construyendo un estilo propio y reconocible, pero le han bastado dos películas para descomponerlo, pulirlo y llevarlo al minimalismo más extremo. ‘The Day After’ ya impactaba por su pulcro blanco y negro, por su abstracción temporal y el extraño juego con las similitudes físicas y los offs. Lo de ‘Grass’ es ya una locura, el espectador está desconcertado constantemente porque no sabe si se trata de un producto de la imaginación de la mujer que escribe o realmente existen esos personajes.

Por otro lado, el personaje fantasma del propietario del bar sirve para introducir un complejo juego metaficticio en el que el propio director entra en escena. ‘Grass’ demuestra que no todas las obras de Sangsoo son iguales, que existe una necesidad de llevar su obra a alguna parte que él mismo desconoce, pero que en unos años cuando podamos ver su filmografía íntegra como un solo bloque entenderemos con más precisión, la particular visión de uno de los talentos asiáticos más indiscutibles del momento.

  • ‘An Elephant Sitting Still’ de Hu Bo
An Elephant Sitting Still

En la sección Forum, llamaba la atención de gran parte de los asistentes al festival, una película china con una trágica historia detrás. Su director Hu Bo se suicidaba con sólo treinta años, tras terminar de montarla. Cuando uno se enfrenta a la cinta, puede entender más o menos los motivos.

Un extremo sentimiento nihilista flota a lo largo de las cuatro horas de su metraje, cuatro horas que nos permiten seguir la vida de varios personajes atrapados en una espiral de violencia, en distintos grados y formas, cuyo único deseo es visitar un circo donde hay un elefante que vive sentado; una peculiar y poética forma de entender a Dios.

Aunque la duración pueda echar para atrás y en algunas ocasiones desespere, es necesario vivir todo este tiempo acompañando a sus personajes para entender la catarsis a la que se están sometiendo y, a la vez, la que vive el espectador. Es una película intensa y complicada pero su experiencia merece ser vivida.

  • ‘Don’t Worry, He Won’t Get Far on Foot’ de Gus Van Sant
Don

Uno de los pesos pesados de la competición era el mítico cineasta norteamericano, que llevaba dos años en silencios después de que su ‘Bosque de los sueños’ fuese duramente criticada en Cannes. Quizás estas reacciones son las que han hecho que el director no se moje mucho y por ello ha apostado por algo clásico y sencillo, pero muy efectivo y solvente.

Está basada en las memorias de John Callahan, un hombre que tras sufrir un accidente de coche y quedar paralítico encuentra su lugar en el mundo como humorista gráfico. Un brillante Joaquin Phoenix da vida al personaje principal rodeado de actores como Jonah Hill, Udo Kier o Rooney Mara. Lo más interesante de la película es su peculiar tono, a medio camino entre la comedia negra más despiadada y el drama intimista.

‘Don’t Worry, He Won’t Get Far on Foot’ es una película muy especial, llena de humanidad y esperanza que Van Sant sabe comedir para no resultar aleccionador.

  • ‘Human, Space, Time and Human’ de Kim Ki-duk
Human Space Time Human

Unos días antes del comienzo del festival se desataba la polémica por la presencia de esta película en la programación. Aunque el certamen evitó la competición para prevenirse de líos, la película dirigida por un presunto acosador sexual no pasó inadvertida y se cuestionó la moralidad de un evento que prometió no incluir películas con acosadores en defensa del movimiento #MeToo.

El último trabajo del coreano es una distopía ambientada en un barco que inesperadamente hecha a volar, lo que provoca un caos humanitario por la escasez de alimento que derivará en asesinatos, violaciones colectivas y canibalismo. Pese a su crudeza, Kim Ki-duk encuentra una extraña poética en todo esto y así consigue hablar de la creación, el apocalipsis y el eterno retorno.

‘Human, Space, Time and Human’ es una visceral parábola sobre la propia existencia, sobre el poder de la naturaleza y la violencia del hombre. Sin prejuicios morales sobre la conducta del director, es una de las películas que más se disfrutarán este año, ya sea por su rareza o por su belleza.

 

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Imagen destacada

‘Errementari (El herrero y el diablo)’ es un apreciable amago lastrado por algunas decisiones verdaderamente terribles, muchas de las cuales se agolpan en el peor momento posible para una pelcula y para el espectador: En su clmax. Un tercer acto muy torpe, tanto a nivel de guin como de moral, tica y realizacin, que tira por la borda las buenas intenciones que hasta entonces haban dado forma a un relato en cualquier caso fallido.

Un remate en el mal sentido, para echarla fuera en lugar de empujarla para dentro. De claro sabor agridulce y equiparable al despropsito en el que al final se converta ‘Las brujas de Zugarramurdi’. Una referencia nada casual la del ilustre caballero (tambin vasco) don lex de la Iglesia, por supuesto. En su puesta de largo Paul Urkijo Alijo hace acopio de buena parte de los vicios de su padrino, ms que de unas virtudes en la cuneta a verlas venir.

‘Errementari (El herrero y el diablo)’ representa a esa pera prima rica en intenciones pero pobre en sentido comn. O en experiencia. O en talento. Una cscara vaca profundamente indeciso, que opta por el ruido antes que por la letra pequea y de una apariencia desmembrada, casual, caprichosa que en todo momento ofrece menos que la suma de sus aciertos, siempre devorados por unos errores que golpean duro en la parte noble.

Errores que perfectamente pueden ser a consecuencia de una torpeza realmente apocada, en claro contraste con la orgullosa determinacin habitual del mencionado De la Iglesia. ‘Errementari (El herrero y el diablo)’ como vctima de una (estupenda) apariencia a la que lo fa todo, incapaz de o bien asestar algn golpe que iguale la balanza, o bien de abrazar su maldad con la conviccin de quin sabe qu va a dormir en el infierno.

Por Juan Pairet Iglesias

@Wanchopex

 

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Las películas siempre se la juegan en el momento crucial del final.Y es que los cineastas saben que no hay nada peor que darse cuenta de que nunca recuperarás esos 90 minutos que te ha robado cuya conclusión no está a la altura. Por ello, muchos guionistas apuestan todo a una carta y tratan de sorprender a cualquier precio para dejar alucinado al respetable.

Pocos lo consiguen, pero cuando lo hacen, como aquel inolvidable momento de ‘El sexto sentido’ (The Sixth Sense, 1999), marcan época. Quizá demasiado en el caso de los autores, como ese Shyamalan adicto al volantazo final que hace que tantas de sus obras posteriores resulten vergonzosas. Repasemos un puñado de ellas que lo intentaron y les salió el tiro por la culata. Estos son los giros más ridículos, torpes, predecibles, increíbles y estúpidos de la historia del cine:

‘El color de la noche’ (Color of Night, 1994)

Dirección: Richard Rush

Reparto: Bruce Willis, Jane March, Lesley Ann Warren, Rubén Blades, Brad Dourif, Lance Henriksen, Kevin J. O’Connor.

La locura del “thriller erótico” de Hollywood comenzado por ‘Atracción Fatal‘ (Fatal Attraction,1987) alcanzó su punto álgido con ‘Instinto Básico‘ (Basic Instinct, 1992) y siguió con esta tibia muestra con Bruce Willis haciendo de psiquiatra en un romance tórrido romance con Rose, una sexy Jane March. La mujer es sospechosa de un asesinato, y todo sigue la pauta de este tipo de intrigas hasta que se destapa el pastel final en el que resulta que Rose es también Bruce Willis. Una personalidad dividida provocada por el suicidio de su hermano. Era totalmente tramposo aunque es curioso que Willis estuviera en este pre-múltiple que adelantaba el mejor llevado giro de ‘Identidad‘ (Identity, 2005)

El Secreto de Marrowbone (Marrowbone, 2017)

Dirección: Sergio G. Sánchez.

Reparto: George MacKay, Mia Goth, Charlie Heaton, Anya Taylor-Joy, Matthew Stagg, Kyle Soller, Nicola Harrison.

El final de ‘Los Otros’ (2001) hizo mucho daño en telecinco cinema y se creyeron que además podían repetir la jugada en su película de terror para abuelas de cada década. Primero vino ‘El Orfanato’ (2007) y ahora esta. Un drama gótico con tonti-gotas de terror de susto y dos giros encadenados a cada cual más idiota. Pero el último es para lanzar cosas a la pantalla. Toda la película estaba en la cabeza de uno de los hermanos, y toda su familia muerta. Sin embargo había múltiples escenas previas en las que ese hermano mayor no aparecía Un serranazo en toda regla.

Crítica en Espinof

‘El Planeta de los simios’ (Planet of the Apes, 2001)

Dirección: Tim Burton.

Reparto: Mark Wahlberg, Helena Bonham Carter, Tim Roth, Estella Warren, Paul Giamatti.

Al final de este inane remake, Tim Burton quiso replicar el shock de la original con una vuelta de tuerca en la que el personaje de Mark Wahlberg retrocede en el tiempo y aterriza en Washington DC, en el mismo período en que se fue, pero encontrándose que el popular monumento Abraham Lincoln, es ahora un busto del simio que es su enemigo del futuro, el general Thade. Esto es estúpido por muchas razones: Presupone que los simios del futuro viajaron más atrás en el pasado que el astronauta humano para cambiar la historia de la Tierra.

Entonces, con ese cambio de historia, los eventos que hicieron retroceder a los simios nunca habrían tenido lugar en primer lugar. Deja dudas de si regresa a la Tierra o si estuvo en la Tierra todo el tiempo o regresa al planeta en el que ya estaba, que no era la Tierra. Una paradoja sin explicación, con la única intención de cambiar la estatua de la libertad por otra escultura impactante.

Dossier en Espinof

‘El escondite’ (Hide and Seek, 2005)

Dirección: John Polson

Reparto: Robert De Niro, Dakota Fanning, Famke Janssen, Elisabeth Shue, Amy Irving.

Dakota Fanning traumatizada por el suicidio de su madre cree que tiene un amigo imaginario que resulta ser una personalidad dividida de su padre, un pobre Robert De Niro en horas bajas. Lo que empieza como una película sobrenatural acaba como el típico filme de sobremesa, con De Niro buscando a la niña como el juego del título. Por estas cosas lo de ‘Marrowbone‘ no tiene perdón.

‘Hancock’ (2008)

Dirección: Peter Berg.

Reparto: Will Smith, Charlize Theron, Jason Bateman, Eddie Marsan, Jae Head.

La primera mitad de ‘Hancock‘ es la típica diversión tonta, con la que Will Smith construyó su carrera. Un superhéroe borracho e irresponsable antes de la gran explosión Marvel era cuanto menos interesante. Pero el giro nos mostraba que era una especie de dios antiguo que solía estar casado con el personaje de Charlize Theron que… también es una superheroína. Un montón de mitología a medio cocer a última hora dentro de una semi-parodia es demasiado y a partir de ese momento la película aburre.

Crítica en Espinof

‘Alta tensión’ (Haute tension, 2003)

Dirección: Alexandre Aja

Reparto: Cécile De France, Maïwenn Le Besco, Philippe Nahon, Franck Khalfoun, Andrei Finti.

El gran giro con el que termina esta obra es tan absurdo que es casi admirable. Alexandre Aja dirige con estilo y nervio un home invasion lleno de gore y tensión. Pero luego viene el final: la heroína ha sido la asesina desde el principio. Además de no tener sentido lógico (si ella es la asesina, ¿por qué hay escenas independientes con el asesino lejos de toda la acción?), es un cliché forzadísimo que deslucen lo que podría haber sido un nuevo clásico.

Dossier en Espinof

‘El bosque’ (The Village, 2004)

Dirección: M. Night Shyamalan.

Reparto: Joaquin Phoenix, Bryce Dallas Howard, William Hurt, Sigourney Weaver, Adrien Brody.

¡Es la época actual! El momento que resume la adicción a los giros finales del irregular director hasta el punto de plantear toda una película alrededor de una premisa increíble. Un grupo de profesores que recrean una vida de puritanos, destrozando la vida de sus hijos y jugando a traumatizarlos en un parque nacional es una idea muy curiosa sobre el papel, en el cine, y más el de tono solemne que practicaba Shyamalan en la época es una idea demasiado, demasiado, estúpida.

Crítica en Espinof

‘La vida de David Gale’ (The Life of David Gale, 2003)

Dirección: Alan Parker.

Reparto: Kevin Spacey, Kate Winslet, Laura Linney, Gabriel Mann, Matt Craven, Leon Rippy, Rhona Mitra.

Kevin Spacey está en el corredor de la muerte por un crimen que ¿cometió … o no? El giro es una verdad a medias. Resulta que fingió asesinar para ser condenado y sentenciado a muerte, con lo que podría probar que la sentencia de muerte es inhumana e injusta. Buen intento, pero no cuela.

‘Basic'(2003)

Dirección: John McTiernan.

Reparto: John Travolta, Samuel L. Jackson, Connie Nielsen, Giovanni Ribisi, Brian Van Holt, Taye Diggs.

Esta película de misterio militar es bastante buena hasta sus momentos finales. Un grupo de rangers aprendices se dirigen a la jungla, pero solo dos vuelven con vida. El tercio final destapa que casi todo el mundo que creías muerto estaba vivo, que los malos eran en realidad los buenos, y que Travolta estaba felizmente metido en la trampa todo el tiempo.

John McTiernan en Espinof

‘El Número 23’ (The Number 23, 2007)

Dirección: Joel Schumacher.

Reparto: Jim Carrey, Virginia Madsen, Logan Lerman, Danny Huston, Rhona Mitra, Lynn Collins, Michelle Arthur, Mark Pellegrino, Paul Butcher.

La misma trampa que se repite una y otra vez en películas: ¡El asesino es el protagonista! Personalidades alternativas y personajes principales psicópatas. El peor ejemplo de este tropo es este errático vehículo de Jim Carrey, que descubre un libro sobre el número 23. Se obsesiona con tratar de encontrar al autor del libro, Topsy Kretts (sí, como Top Secret), que resulta ser… el mismo. Sí, dolorosamente obvio.

Crítica en Espinof

La vida de Pi (Life of Pi, 2012)

Dirección: Ang Lee
Reparto: Suraj Sharma, Irrfan Khan, Rafe Spall, Tabu, Adril Hussain, Shravanthi Sainath, Ayush Tandon

Al igual que su novela es un trabajo precioso, desgarrador y original. Pero ese final que te hace sentir culpable por disfrutar de lo que has visto. La historia del niño que intenta sobrevivir en un bote salvavidas con un tigre es una historia fantástica inventada para ocultar el hecho de que el niño vio a otro superviviente matar a su madre antes de acabar con el. Así que el tigre es como una metáfora de… ¿La culpabilidad? No, de que el cine aún tiene mucha pupita con eso de hacer creer historias increíbles.

Crítica en Espinof

Ésta es mi lista con las sorpresas finales de películas que en lugar de dejarme con la boca abierta hicieron que me llevara las manos a la cabeza, preguntándome en qué diablos pensaban los guionistas. ¿Se te ocurren otros ejemplos de giros finales más ridículos de la historia del cine?

 

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Disney acaba de presentar el primer y divertido tráiler de ‘Ralph Rompe Internet’ (‘Ralph Breaks the Internet: Wreck-It Ralph 2’), la esperada secuela de ‘¡Rompe Ralph!’ (‘Wreck-It Ralph’). La película se estrenará el 21 de noviembre de 2018 aunque en España no podremos verla hasta un par de semanas más tarde: el 5 de diciembre.

Seis años han pasado desde la llegada a los cines de ‘Rompe Ralph’, una comedia de aventuras ambientada en el mundo de los videojuegos; recaudó 471 millones de dólares, una taquilla no muy elevada para los éxitos de Disney aunque es de suponer que los ingresos por merchandising y juguetes habrán sido elevados. O al menos han visto potencial para ampliar el negocio, como con ‘Los increíbles 2’ (‘The Incredibles 2’), otra secuela distribuida por Disney que se estrena este año.

‘Ralph rompe Internet’ sale de los recreativos, y se adentra en el mundo inexplorado, expansivo y emocionante de Internet. Ralph (voz de John C. Reilly), el malo de los videojuegos y su compañera Vanellope von Schweetz (Sarah Silverman) tendrán que jugárselo todo viajando por las redes en busca de una pieza de repuesto que salve Sugar Rush, el videojuego de Vanellope.

Y para complicar más las cosas, Ralph y Vanellope dependen de los ciudadanos de Internet, los llamados ‘ciudanets’ para que les ayuden a desenvolverse en ese peligroso mundo. Entre ellos está un empresario de Internet llamado Yesss (Taraji P. Henson), que es el algoritmo estrella y el alma de “BuzzTube”, la página web más de moda del momento.

El realizador de la película original, Rich Moore, continúa en la segunda parte como codirector, trabajando en colaboración con Phil Johnston, coguionista de ‘Zootropólis’ (‘Zootopia’) y ‘Rompe Ralph’.

 

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