Descargar Crítica Perdidos en París, una comedia con mucha nostalgia Película gratis

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Incluso Perdidos en París se podría denominar una cinta musical, ya que las secuencias que tiene con la música y sus bailes, son las que más remarcan a sus personajes, a sus historias y que hacen de la misma un conjunto divertido, ágil sin dejar de lado un gran fondo con un mensaje muy actual de nuestros sociedad, incluyendo la soledad y la necesidad de las relaciones en el amplio sentido de la palabra


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Se agradece que de vez en cuando que aparezca en nuestras carteleras comedias que no son tan manidas en historias, y por ello tener Perdidos en París es un gusto visual que invita a la risa por medio de un guion minucioso, incluso simple (necesario para no buscar lo enrevesado), pero de lo más divertido recordándonos a muchos momentos Chaplin y sus historias y en otros muchos instantes a Olivia, la eterna compañera de Popeye.

Martha, ex bailarina, es una parisina que está en esa edad donde la memoria le juega malas pasadas, ahora viendo que su independencia corre peligro, pudiendo acabar en una residencia, escribe a su sobrina, bibliotecaria en Canadá, para que se haga cargo de ella.

Fiona viaja a París para estar con su tía y cuidar de ella. Al llegar a la ciudad las fatalidades se le agolpan, no encuentra a Martha, pierde su equipaje y su documentación y en su camino se cruza Don un vagabundo, con grandes peculiaridades, que hará que Fiona tenga un viaje de sonrisas y lágrimas.

Los directores y guionistas Dominique Abe y Fiona Gordon han creado una gran historia buscando la tolerancia, con humor e incluso elegancia, sin querer evitar los temas de hoy en día, como son la madurez y sus sinsabores, la marginación laboral y la discriminación en toda la palabra dentro la sociedad actual, además de dar un buen varapalo a las instituciones estatales y sus normas absurdas.

Dibujan en los protagonistas la inocencia de personalidades sin maldad, sin ninguna malicia, solo con las travesuras de la necesidad de la supervivencia en el mundo de hoy en día feroz a los sinsabores de la lucha por ser mejor que los demás.

Incluso Perdidos en París se podría denominar una cinta musical, ya que las secuencias que tiene con la música y sus bailes, son las que más remarcan a sus personajes, a sus historias y que hacen de la misma un conjunto divertido, ágil sin dejar de lado un gran fondo con un mensaje muy actual de nuestros sociedad, incluyendo la soledad y la necesidad de las relaciones en el amplio sentido de la palabra.

Perdidos en París contiene esos personajes estáticos que tanto nos puede recordar también a Aki Kaurismäki por ejemplo en Al otro lado de la esperanza, por ejemplo en las situaciones recreadas en el restaurante, donde cada uno de los protagonistas tiene una situación pero se van entremezclando, con la comicidad de situaciones inverosímiles pero tienen su razón.

El personaje de Fiona, magistralmente interpretado por Fiona Gordon, me trasportó a multitud de películas vividas en mi infancia, tanto por similitud visual con Olivia parthener de Popeye, por momentos con sus bailes a Mari Poppins y por la historia en parte me fui a Sonrisas y Lágrimas, sin entrar en que sea nada de ello exacto pero sí en extractos puntuales de cada personaje. Nada desdeñable la secuencia de baile del banco de Emmanuelle Riva y Pierre Richard que dotan a la película de una gran consistencia en todos sus planos. 

Por otro lado Dominique Abel es en cierta forma el humor irónico personificado, el despiste en persona, con grandes influencias de Chaplin, de la comedia francesa en sí, y que complementa a Fiona gordon, notándose en escena la complicidad de ambos, ya que no es la primera vez que ambos trabajan juntos.

Perdidos en París es de esas propuestas cinematográficos que nos trasportarán a una comicidad de gran calado, con grandes interpretaciones y que nos hará salir de la sala con una gran sonrisa, tan necesaria hoy en día.

 

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Descargar Un nuevo universo… de aventura y diversión de su amigo y vecino Película gratis

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El resultado toneladas de diversión para todos los públicos, humor a raudales, personajes carismáticos y la película soñada por todo fan del superhéroe. 


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La séptima aventura en la gran pantalla de nuestro amigo y vecino Spider-Man, en los últimos 16 años, se convierte en todo un homenaje al cómic, a este arácnido superhéroe y al padre de todo esto, Stan Lee, que seguro estaría orgulloso de esta película.

Spider-Man: Un nuevo universo es una película animada que se enorgullece de serlo y que sabe aprovechar las virtudes del género. Una cinta que además no se conforma con ser una más en el universo de los superhéroes de Marvel, va mucho más allá de eso.

Crítica de Spider-Man: Un nuevo universo

La película no decepciona ni al mayor de los detractores del trepamuros y ofrece en sus poco menos de dos horas grandes dosis de humor y diversión en un espectáculo audiovisual de primer nivel para mayor gloria de Spidey y del recientemente fallecido Stan Lee, que como no podía ser menos tiene su cameo en la cinta.

Spider-Man: Un Nuevo Universo presenta a un nuevo personaje, Miles Morales, un adolescente de Brooklyn, que por azar tomará las riendas del destino del superhéroe Spider-Man y nos mostrará las ilimitadas posibilidades de un nuevo universo, o muchos, donde todos, en un momento determinado, podemos llevar máscara. Nuestro joven protagonista hereda los poderes y responsabilidades del héroe marvelita justo antes de que el mega villano Kingpin abra un portal interdimensional que terminará llenando Brooklyn de versiones distintas y muy dispares del trepamuros.

El guión y la producción de Phil Lord y Chris Miller, responsables de La LEGO Película, dan un carisma especial a una obra que es capaz de tomar referencias de películas anteriores, de los cómics, de otras obras de Marvel, para reutilizarlas y expandirlas con una habilidad sorprendente.

El resultado toneladas de diversión para todos los públicos, humor a raudales, personajes carismáticos y la película soñada por todo fan del superhéroe.

Spider-Man: Un nuevo universo trata al superhéroe como se merece, adaptando el cómic a la gran pantalla con habilidad y cierto toque maestro. Utiliza recursos y giros ya vistos en un cóctel que resulta innovador y que puede abrir nuevos caminos en el género.

Todos sabemos que un gran poder conlleva una gran responsabilidad, los fans y espectadores no merecían menos.

 

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Descargar Dogman, El silencio de otros y Genezis Película gratis

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Cabe pensar que Dogman está a años luz, en cuanto a temática se refiere, de Genezis y El silencio de otros, pero tiene en común con la película húngara el hecho de tener un personaje amante de los animales, que posee su parte negativa y positiva, y que ambas tienen una base en la parte más desfavorecida de la sociedad, y las tres encaran la historia desde la infancia, pues El silencio de otros mira y cuenta todo lo que les marcó en esa época, la represión social y la injusticia que hoy en día no se ha resuelto, y Dogman aunque con un protagonista principal adulto, tiene esa hija que paga sin tener culpa de nada, actos de su familia y que marcará de por vida.


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No siempre ocurre, pero a veces ves varias películas y una te lleva la otra, y la siguiente y vuelves a la primera, hallando un hilo conductor entre ellas como si de un círculo se tratase, puntos cruzados y paralelos aunque la temática sea muy distante. Eso me ha ocurrido con Dogman de Matteo Garrone, El silencio de otros de Almudena Carracedo y Robert Bahar y Genezis de Árpád Bogdán.

Dogman, es dura, áspera, difícil de digerir y asumir por momentos pero contiene esa realidad latente en la sociedad de la lealtad que se busca pero no se encuentra, y el caos que se produce en los bajos fondos del mundo en sí, no solo de esa parcela que Matteo Garrone nos relata en su último trabajo.

Una historia de dar y esperar en los bajos fondos de una sociedad que grita con lentitud el doloroso presente marcado por el pasado y que escribirá un futuro mejor o peor. La soledad como compañero de viaje en el día a día.

De hecho hay un paralelismo y contraste entre el título y su cartel, lo que subyace en él y lo que realmente quiere el protagonista principal, y también en ese cartel donde el personaje principal carga a una persona y le sigue un perro, la carga de la vida y su peso, que con apariencia ligera, a priori, dibuja durante el metraje la parcial aspereza en su rostro, ya que el personaje posee una parte cándida que la muestra en la cercanía.

Genezis es desbordante en su reflejo de la discriminación social por raza, el sin sentido del hombre por la supremacía que no debería existir pero muchos se creen, y todo desde la mirada de niño, el protagonista y varios que no se ven. Tres historias que entrecruzan y que se van hilando a medida que cada una tiene un nexo en común con la otra.

Unas tomas oscuras que te fuerzan a sentir la crueldad de lo narrado, que se realiza con sosiego por momentos, pero con la intensidad de la frialdad del ser humano. Basándose en casos reales la directora Árpád Bogdán nos da dos horas de desasosiego hurgando en el interior del alma de los protagonistas y esas miradas distantes que tanto contienen el dolor. Comenzando con una historia de un niño que ve como su padre está en la cárcel y su madre es quemada en su propia casa por los extremistas nazis, solo por el hecho de ser gitano. Ahora otras dos historias harán que ese niño también sea protagonista, y que la infancia en sí, sea otro elemento en el puzle que les une.

Genezis y el Silencio de otros tienen en común esa discriminación social por raza, por ideales, por formas de pensar y de vivir, y por esa represión social ejercida a lo largo del tiempo que no tiene sentido dentro de la humanidad, aunque muchos busquen justificación. Una un documental, El silencio de otros, Genezis tres historias reales pasadas a la ficción, ambas con dolor y con un anhelo de supervivencia y de ganar la batalla a la vida, pero meramente con el hecho del respeto, la comprensión y la justicia. Dogman en su discurso visual también busca la tolerancia y ver mucho más allá de los estereotipos

Cabe pensar que Dogman está a años luz, en cuanto a temática se refiere, de Genezis y El silencio de otros, pero tiene en común con la película húngara el hecho de tener un personaje amante de los animales, que posee su parte negativa y positiva, y que ambas tienen una base en la parte más desfavorecida de la sociedad, y las tres encaran la historia desde la infancia, pues El silencio de otros mira y cuenta todo lo que les marcó en esa época, la represión social y la injusticia que hoy en día no se ha resuelto, y Dogman aunque con un protagonista principal adulto, tiene esa hija que paga sin tener culpa de nada, actos de su familia y que marcará de por vida.

Las tres películas que son tres destacadas en estrenos durante el mes de noviembre, y que están presentes en Muces dentro de la sección oficial, y han recorrido festivales como Seminci y Festival de Sevilla, tienen un tono negro, oscuro, frío. La única que en parte tiene algo positivo es El silencio de los otros, puesto que la lucha continua, su mirada hacia el futuro reivindicando su verdad se mueve y ayudará a muchas causas del pasado, los crímenes no resueltos, esas en la cuneta, la lucha por derogar, la búsqueda de esos niños robados – de ahí un nexo en común entre las tres películas la infancia- y que se reconozcan los maltratos de una época española, con un fondo tan agrio.

El silencio de otros es de esas películas que te traspasa el alma, que con sencillez, con una mirada cercana pero con la distancia necesaria para ser objetiva, observa a los protagonistas y sus problemas. Los que tienen a sus familiares en unas cunetas, en unas fosas comunes, los que sufrieron torturas durante la dictadura española y después, y esas familias a quienes le fue robado lo que iba a ser su futuro, sus hijos. Tres verdades de pérdidas, de morir los que se quedan en vida, por quedar marcados por la tragedia, la intolerancia y la incomprensión y donde el respeto no es algo que tuviera cabida dependiendo para qué y para quién.

Declaraciones que rasgan el corazón las de María Martín, que con una sola frase: “Lo injusta que es la vida, bueno no, los humanos” se adentra en ti y después del ver el documental completo, uno pienso, ojalá hubiera más personas como ellas, luchadoras, que no cesen en su empeño cueste lo que cueste, ella y todos los protagonista de la película. Cinta que no estaría de más que pasara por muchos instituciones educacionales.

 

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Descargar Crítica de Tu hijo Película gratis

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De fondo en ese guion oscuro. Tu hijo, retorcido en los últimos instantes, queda latente el divagar sobre las personalidades del ser humano, si somos lo que mostramos o solo es pura fachada. Aquí los protagonistas tanto los femeninos como los masculinos esconden algo, pero son los masculinos los que hacen que las mujeres tapen y oculten para no dar que hablar, que decir.


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Tu hijo es una cinta que evoluciona pausadamente haciendo rudo a su personaje principal, con emociones cambiantes y una coraza que no se despega de él mismo, ni en el último minuto, coraza que se pone a raíz del golpe emocional que tiene en su vida.

Miguel Ángel Vivas es un director curtido tanto en el thriller como en el terror, en cine y en series televisivas, de hecho en la actualidad José Coronado y el mismo están colaborando en la serie Vivir sin permiso, así que estos dos trabajos en cierta forma han sido paralelos, y el thriller es una base de ambos. Ahora el director después de unos años fuera de España vuelve a sus orígenes.

Jaime tiene una acomodada vida, y una gran reputación como cirujano, pero todo cambia cuando su hijo de 17 años se queda en coma después de recibir una paliza Ahora su rumbo cambia y todo girará en impartir justicia, intentando encontrar a los culpables de esa situación.

De fondo en ese guion oscuro. Tu hijo, retorcido en los últimos instantes, queda latente el divagar sobre las personalidades del ser humano, si somos lo que mostramos o solo es pura fachada. Aquí los protagonistas tanto los femeninos como los masculinos esconden algo, pero son los masculinos los que hacen que las mujeres tapen y oculten para no dar que hablar, que decir.

Elegir entre la conciencia y la sangre es alto voltaje emocional, al menos es como lo plasma el director en un guion que va escudriñando y arañando en el corazón y sinrazón de los actos que a veces se justifican por no saber o querer poner en la balanza el poder del contrasentido, o los orígenes.

El ritmo del thriller y la historia narrada tiene buena conjunción, lo peor llega en el momento final, cuando el director quiere rematar la jugada y aunque el espectador pueda haber intuido parte de lo que se esconde, se muestra tan abruptamente y sin ningún velado emocional que deja un mal sabor de boca, la sorpresa es tanto con el fondo como la forma, hubiera quedado mucho mejor con un toque de misterio, y que cada uno hubiera elucubrado, que lanzar todas las cartas. Un envite que no gana el órdago para rematar la partida.

Ahora que está tan en boga los feminismos, Tu hijo suma todas las miradas ante la supremacía del poder de la fuerza y la violencia sin sentido de la posesión y como se justifica en el mismo género los actos, sin medir la realidad, sin ser ecuánime con la familia en sí, mostrando los patrones educacionales que se manifiestan sin positividad ante la verdad.

La interpretación de José Coronado es meramente correcta, destaca en el último tramo, específicamente en las últimas secuencias, porque por momentos resulta algo línea. Le ayuda en muchas tomas la compañía de Ana Wagener, aportando grandeza en las partes que está al igual que hizo en su anterior película El reino.

 

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Descargar Crítica de Mandy. Entre la duermevela y la orgía de sangre Película gratis

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El largometraje de Panos Cosmatos no deja de ser un curiosísimo pastiche que bebe sin ningún remilgo del cine de David Lynch, la saga ‘Mad Max’, la algo olvidada ‘Heavy Metal’ y las clásicas películas de venganzas.


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Hay películas que parecen nacidas para ser objeto de culto casi instantáneo. Es el caso de Mandy, el segundo largometraje de Panos Cosmatos, el hijo del realizador George P. Cosmatos, el autor de Rambo. La cinta, que ha sido aplaudida en casi todos los festivales donde ha sido proyectada, combina una cuidada estética con una trama pulp de venganza y sectas destructivas. Por otro lado, mientras su primera mitad apuesta por un tono sosegado y contemplativo, la segunda es un festín de violencia y sangre que no le hace ascos al gore.

El largometraje es un producto que se siente orgulloso de su condición de rara avis. Parece como si quisiera contentar a los cinéfilos exquisitos que adoran las obras de género que van más allá del mero entretenimiento y a todos aquellos fans incondicionales que prefieren el divertimento más festivo. Cosmatos ofrece a los primeros un espectáculo visual muy vistoso. Gracias a la fotografía sucia y colorida de Benjamin Loeb, el realizador otorga al conjunto un tono de pesadilla verdaderamente sugerente. Una atmósfera enrarecida que refuerza más si cabe la magistral banda sonora del desaparecido Jóhann Jóhannsson, que logra una música que mezcla sin problemas elementos del rock sinfónico setentero con otros propios del post-rok de bandas como Mogwai. Sin ninguna duda, ambos apartados suponen el aspecto más logrado del filme.

No obstante, el autor de Beyond The Black Rainbow decide decantarse en la segunda parte por un estilo desquiciado y sangriento que encuentra en la histriónica interpretación de un desatado Nicolas Cage su mejor aliado. Cosmatos y el actor estadounidense se regodean en las luchas y optan por convertir la película en una orgía de hemoglobina y vísceras. Todo ello regado con algunas líneas de diálogo ridículamente altisonantes y un desenlace que puede provocar el sonrojo de algún espectador.

Sin ninguna duda, Mandy destaca en el adocenado cine de género, aunque el resultado diste mucho de ser esa obra maestra que han proclamado muchos. Al fin y al cabo, el filme no deja de ser un curiosísimo pastiche que bebe sin ningún remilgo del cine de David Lynch, la saga Mad Max, la algo olvidada Heavy Metal y las clásicas películas de venganzas. El cóctel resulta atractivo, aunque también sea demasiado irregular como para ser considerado como un trabajo redondo.

 

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Descargar El amor y la muerte. Historia de Enrique Granados Película gratis

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Una cinta llena de matices en cuanto a la figura que trata, pero que está realizada con una gran dinamismo, como si de un cuento se tratase, con el hecho de plasmar parte de los hechos con animación, haciendo que nos veamos inmersos en un juego, donde la directora Arantxa Aguirre, nos incita a ver, a seguir la historia sin pestañear, y es más, a sentir la música que envuelve y define al personaje.


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No hay mayor deleite para los sentidos que recrearse con una película que rezuma cultura y arte en todos sus minutos, en cada uno de sus fotogramas y que además está realizado con pulcritud, delicadeza y con gran calidez audiovisual.

El amor y la muerte. Historia de Enrique Granados, es la recreación de la biografía del compositor Enrique Granados, pasando por sus días en Barcelona, Madrid, París y Nueva York, una crónica de su trayectoria personal y laboral donde la música marca cada etapa. La cinta tiene versiones de las mejores obras de la mano de Rosa Torres-Pardo, Evgeny Kissin, Cañizares, Arcángel, Rocío Márquez, Carlos Álvarez o Nancy Fabiola Herrera, entre muchos otros.

Una cinta llena de matices en cuanto a la figura que trata, pero que está realizada con una gran dinamismo, como si de un cuento se tratase, con el hecho de plasmar parte de los hechos con animación, haciendo que nos veamos inmersos en un juego, donde la directora Arantxa Aguirre, nos incita a ver, a seguir la historia sin pestañear, y es más, a sentir la música que envuelve y define al personaje.

El amor y la muerte nos cuenta la vida de Enrique Granados pero al mismo tiempo nos refleja la sociedad de su época, sus anhelos, sus esfuerzos para poder sobrevivir con, por y para la cultura, siendo ésta su pasión y su vida. Incluso si uno se para a pensar lo que está viendo, la parte externa y que afecta al personaje lo tenemos hoy en día, la dificultad del reconocimiento del talento en nuestro país, en la propia patria.

Arantxa consigue con elegancia y sencillez trazar un guion sencillo pero completo, riguroso pero emotivo y con muchas notas de temáticas paralelas que aportan granitos de arena, que harán conjugar una historia con nombre en una película con historia.

No debemos olvidar que como en Dancing Beethoven, su anterior trabajo, la directora Arantxa Aguirre, trata sin abrumar en su sentido, otros temas distantes pero paralelos e influyentes a la temática que proceda en cada cinta, y que el devenir de la vida, el agua, la danza, la poesía, están impresas en su guion como un protagonista más, que dan más cuerpo e ímpetu a todo su metraje y al personaje que trata.

Un metraje breve, que deja al espectador con ganas de más, al estar contado de una manera tan ocurrente con la original animación, sin ser cargante, con declaraciones, con música del compositor, con historia personal e impersonal, que incita a seguir buscando información al respecto, aunque todo está estupendamente narrado y contado sin caer en lo histórico en demasía y dibujado con sentido del humor unido a la poesía en sí, una gran recurso de Arantxa, para reflexionar sobre todos y todo, el pasado, el presente y lo que vendrá.

 

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Descargar Crítica de El Ángel, la frialdad de una mirada Película gratis

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Lorenzo Ferro, que lleva toda la carga de la película, en su primera interpretación en una película, realiza un gran trabajo, con esa frialdad necesaria, pero al mismo tiempo esa media sonrisa de pícaro que lleva implícita la maldad de los actos que ejecuta. Excelente ese baile final, que muestra mucho de su personalidad.


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El director Luis Ortega ha recreado la vida e historia de “El Ángel” el mayor asesino de la historia de argentina, la persona que más tiempo ha pasada en la cárcel. Y relatando unos hechos que parecen sacados de una historia escalofriante que no fuera realidad.

Para ello el director ha contado con EL DESEO, K & S Films y Underground Films que cuenta con el apoyo de RTVE, y de hecho se nota la mano de El deseo, de esa necesidad de contar con una fotografía, un estilo visual y musical que atrape al espectador, buscando la naturalidad pero sin dejar de lado que es vital, la realidad de la narración. Una muy buena ambientación en cuanto a vestuario, música y fotografía.

Carlitos es un joven con una carita de bueno y niño que se acompaña de unos rizos dorados, una apariencia de ángel. Al llegar a su época de adolescencia crece en él lo que ha venido haciendo años antes, la vocación de ser ladrón. Ahora conoce a Ramón, que viene de una familia de delincuentes y junto con ellos preparará sus nuevos golpes. Su nueva vida le llena, tanto que se alejará de su familia, y la mentira, los robos y asesinatos serán su nuevo hogar.

Buena combinación de música e imagen, compactando al compás de la música, la letra que lleva en parte implícita el mismo momento a describir tanto en situación como al propio personaje.

Un ritmo pausado, por momentos incluso algo lineal que refleja a la perfección lo impenetrable del personaje y su fondo tan inalterable en expresión pero imprevisible en comportamiento al principio, porque poco a poco sus actos dejan de sorprendernos ante su frialdad.

Personalmente me asombran los extremos de esas dos madres de la cinta, ambas permisivas en su propia forma e incluso condescendientes pero con distinta hechura y contenido. Porque además ha llevado muy bien la forma del guion al ir saltando de familia en familia, de personaje en personaje para ir dibujando a cada uno, su almas, sus deseos, sus miedos, sus anhelos y cada finalidad.

Una forma de la búsqueda da la libertad más que personal por parte del protagonista, siendo el epicentro de su mundo sin parar a pensar en quienes le rodean y si sus actos les influyen, posee una gran sensación y realidad de no tener conciencia ni del bien ni del mal, de actuación a quemarropa y por instinto en todos los sentidos. Remordimiento cero tanto en comportamiento como en alma.

El ángel es una cinta que no deja indiferente, hay escenas que impresionan por tanta naturalidad que excede la normalidad dentro de unos actos que no se corresponden con lo que pueda esperarse en una sociedad mentalmente cuerda, aunque ya sabemos que la realidad supera a la ficción, y por ella esta historia real, al final parece tan creíble por ese increíble histrionismo de irracionalidad.

Lorenzo Ferro, que lleva toda la carga de la película, en su primera interpretación en una película, realiza un gran trabajo, con esa frialdad necesaria, pero al mismo tiempo esa media sonrisa de pícaro que lleva implícita la maldad de los actos que ejecuta. Excelente ese baile final, que muestra mucho de su personalidad.

 

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Descargar Crítica de Bohemian Rhapsody. Una visión superficial de Freddie Mercury Película gratis

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Convencional biopic que triunfa en los momentos más divertidos, pero fracasa en los melodramáticos.


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Gran parte de los biopics cinematográficos suelen tener el mismo problema: abarcar demasiados aspectos de la vida del personaje abordado sin profundizar demasiado en casi ninguno. Bohemian Rhapsody, la película sobre Freddie Mercury, no es una excepción, aunque no sea la superficialidad su único problema.
Bohemian Rhapsody 1
El filme, dirigido por Bryan Singer y un no acreditado Dexter Fletcher, pretende ser un retrato fiel del cantante del grupo británico Queen, pero se queda en apenas esbozo. Quizá los mejores momentos son aquellos en los que el largometraje aborda la comedia, como los que muestran algunas de las divertidas grabaciones del grupo o sus problemas para sacar como single su clásico Bohemian Rhapsody, aunque el largometraje fracase estrepitosamente cuando abraza descaradamente el tono melodramático. La soledad del mítico artista y sus problemas de identidad están tratados de manera demasiado convencional, como si nos encontrásemos en un vulgar telefilme. Bohemian Rhapsody

Por otra parte, algunos espectadores echarán de menos que no se aborde de manera más profunda los vínculos de amistad  del líder de la banda británica con sus compañeros o se desaproveche el que quizá sea uno de los aspectos más curiosos de la vida del artista: que un hombre eminentemente gay sintiera un amor profundo y duradero por una mujer. Tampoco acaba de convencer su relación de dependencia con Paul Prenter, un representante manipulador que dirigió la vida de cantante más allá de lo necesario.

Como suele ocurrir en gran parte de los  filmes biográficos, el montaje es atropellado. Parece que los responsables del largometraje estuvieran más interesados en incluir el mayor número de sucesos relevantes más que en ahondar algo en ellos. Tampoco se entiende demasiado a qué se debe la inclusión de gran parte del concierto benéfico Live Aid y la omisión de los últimos años de la vida del vocalista, aquellos en los que su deterioro físico fue más evidente.

Bohemian Rhapsody
A los muchos reproches que se le pueden hacer al largometraje se puede añadir uno más: la excesivamente histriónica interpretación de Rami Malek, más interesado en copiar movimientos y expresiones que en dar algo de verdadera alma a su personaje. No ayudan demasiado unas prótesis dentales que convierten por momentos su encarnación en una mera caricatura. Tampoco el resto del reparto acaba de brillar por culpa de unos personajes que no van más allá de la anécdota.

En definitiva, Bohemian Rhapsody es un biopic fallido que triunfa en los momentos más festivos, pero se hunde estrepitosamente en los melodramáticos. Aquellos que quieran saber más del líder de Queen tendrán que acudir a los libros escritos sobre el artista, como la muy recomendable Freddie Mercury.La biografía definitiva, escrita por Lesley-Ann Jones.

 

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Descargar Crítica de Sin fin. La incapacidad de sentir Película gratis

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Una historia de amor, de desasosiego, de imaginación, de pasado, presente y futuro, con la incapacidad de reaccionar ante las adversidades físicas y emocionales, viendo como el pasado escondido en cualquier rincón del alma puede salir a flote en cualquier momento.


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La fatalidad de no saber trasmitir los sentimientos en el ser humano es algo cada vez más habitual, encerrarse en uno mismo, padecer alguna patología que nos impida expresar lo que llevamos dentro sin querer, a sabiendas que algo hay, pero eso sí, que nadie nos diga que tenemos por miedo a la verdad. Eso es lo que han querido César Esteban AlendaJosé Esteban Alenda plasmar en Sin fin. una cinta pausada, llevada con la melancolía de los sentimientos impresa a ritmo de la música de Sergio de la Puente y la excelente fotografía de Ángel Amorós

Sin fin es sinónimo de la incapacidad del ser humano de reacción ante adversidades que finalmente pueden incluso ser algo positivo en la personalidad de cada uno. De cómo somos incapaces de aceptar las cosas tal y como son, sin necesidad de complicarse la vida. Todo ello por medio de una historia de amor, con sus pros y sus contras, con sus idas y venidas.

Javier vuelve al presente queriendo recuperar a su amor perdido, a María. Ahora realizarán de nuevo el viaje que les unió, como se conocieron y como fueron esas primeras horas juntos que tanto les marcaron. Un segundo viaje de Madrid al mar, para intentar que María vuelva a tener la alegría de cuando ambos se enamoraron.

Dos personalidades muy diferentes, extremas, el desparpajo hecha persona, sin tapujos, sin callar de cara a la galería, y por el contrario la contención en todo su esplendor con sus carencias afectivas y sin saber trasmitir, con una ilusión mental en otro espectro pero con la incapacidad de emocionarse y relacionarse con el resto de los mortales, y por ello mucho más el expresar sus sentimientos.

Una historia de amor, de desasosiego, de imaginación, de pasado, presente y futuro, con la incapacidad de reaccionar ante las adversidades físicas y emocionales, viendo como el pasado escondido en cualquier rincón del alma puede salir a flote en cualquier momento.

Aun así el guion nos lleva nos derroteros imaginativos, en algún momento sin saber muy bien por donde va la historia, pero poco a poco se va fundiendo, hilando por momentos, conteniendo varias secuencias que son en enlace para que todo cobre sentido, o todo lo contrario. Sin fin es de esas películas aunque con final, deja al espectador que se cree su propia trama.

Los directores César Esteban Alenda y José Esteban Alenda han realizado un trabajo donde toda la carga recae en dos actores, Javier Rey y María León, ambos dos muy alejados de sus trabajos habituales en tono comedia, y han solventado su papel dramático con gran soltura y dinamismo al mismo tiempo. Dos actuaciones que requieren contención, miradas frías y semblantes oscuros, donde en cada secuencia esconden algún sentimiento. Todo ello no sería nada sin la carga musical que contiene la cinta y sin el tono en pantalla del que se ha dotado, muchos colores grises, neutros y azules que recrean el interior de los personajes.

Sin fin ganó el premio a Mejor ópera prima en la pasada edición del Festival de Málaga y Javier Rey el premio a Mejor actor.

 

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Los aciertos puntuales del director David Gordon Green no consiguen ocultar los evidentes fallos de una película con demasiados personajes idiotas que parece navegar sin rumbo durante gran parte de su primera hora.


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Las franquicias suelen ir degradándose poco a poco con las sucesivas continuaciones. El respeto por el espíritu del original suele combinarse con algunas sorpresas que diferencien un poco las secuelas y precuelas del filme que inicio la saga. La serie cinematográfica protagonizada por Michael Myers, iniciada en 1978, no es una excepción.

Cuarenta años después del estreno del largometraje original, David Gordon Green pretende con La noche de Halloween olvidarse de remakes y continuaciones para ofrecer una secuela directa del seminal film de John Carpenter. Lo hace con la bendición del genial director y mostrando cómo podría haber sido la vida del asesino si hubiera estado cuatro décadas encerrado en un psiquiátrico y su principal enemiga, Laurie Strode, hubiera vivido marcada por los terribles asesinatos de los que fue testigo en su juventud.

La idea no es mala y la película funciona por momentos, aunque sea demasiado irregular. El largometraje comienza con una tensa y malsana visita de unos periodistas al mítico asesino en el psiquiátrico en el que lleva encerrado una eternidad. Gordon Green, el desconcertante autor de Joe y Superfumados, sabe crear la necesaria atmósfera enrarecida, aunque no logra mantener esa intensidad en el resto de la primera mitad del filme, donde se cuenta la fuga de Myers de la institución, sus primeros asesinatos en libertad y la descripción de la vida de una anciana Strode y su familia. No obstante, cuando el criminal llega al pueblo de Haddonfield , a película parece recuperar algo de intensidad, aunque estemos lejos de los logros del original.

Quizá lo mejor de la función sea disfrutar de una espléndida Jamie Lee Curtis, que aporta el necesario carisma a esa antigua niñera que ha visto marcada su vida por los sangrientos acontecimientos de su adolescencia. La intérprete estadounidense logra ir mucho más allá del un personaje que parece un de tópicos sacados de un mal manual de psiquiatría. Por otra parte, el largometraje asume un saludable tono de western, especialmente en su segunda mitad. Todo nos prepara para el duelo final entre los dos archienemigos, como si nos encontráramos en una vieja película de vaqueros.

Sin embargo, los aciertos puntuales no consiguen ocultar los evidentes fallos de una película con demasiados personajes idiotas que parece navegar sin rumbo durante gran parte de su primera hora.

 

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